2024-06-04 08:55 来源：本站编辑
美国最伟大的艺术家之一弗兰克·斯特拉(Frank Stella)周六在曼哈顿的家中去世，他的职业生涯与20世纪艺术界一些最重大的动荡交织在一起，并帮助催化了这些动荡。享年87岁。
据《纽约时报》报道，他的妻子哈里特·e·麦格克(Harriet E. McGurk)医生说，病因是淋巴瘤。
斯特拉于1936年5月12日出生在马尔登(Malden)，他总是坐立不安，在风格和规模上不断变换自己的作品，同时挑战绘画和雕塑之间的绝对界限。他同样不受20世纪下半叶美国艺术中争夺主导地位的许多运动的束缚。
20世纪50年代，斯特拉还是普林斯顿大学(Princeton University)的一名学生时，就开始了对抽象的刻板、极简的理解，后来他有了一种无法抑制的好奇心，这种好奇心把他从画布上带到了更广泛、更奢侈的混合作品上，最终，他的大型公共雕塑占据了世界各地城市的显著位置。
波士顿美术博物馆(Museum of Fine Arts Boston)馆长马修·泰特尔鲍姆(Matthew Teitelbaum)说，斯特拉“既简化了抽象的词汇，又减少了抽象的词汇，对假设提出了挑战，并为以不同的方式看待和思考提供了机会。”他对艺术中传统界限的不懈质疑几乎适用于绘画和雕塑的每一个正式类别。这很神奇，很鼓舞人心。”
斯特拉20岁出头时刚从普林斯顿大学毕业，就声名鹊起。1959年和1960年，他参加了在纽约现代艺术博物馆举办的具有里程碑意义的展览“十六个美国人”。这将是他传奇职业生涯中的第一个成就，他获得了一系列顶级荣誉，并在2015年惠特尼美国艺术博物馆(Whitney Museum of American Art)位于曼哈顿下城的新馆开幕前，举办了一场横跨整个职业生涯的回顾展。
这次展览是对斯特拉一生中广泛的形式实验的一次令人振奋的短途旅行，努力遏制他的许多热情。正如《纽约时报》评论家罗伯塔·史密斯(Roberta Smith)当时所写的那样:“斯特拉一开始就把自己画进了一个角落——从字面上定义他的媒介，似乎与之无关——他的大部分职业生涯都在炮轰他的出路。”
史密斯指的是斯特拉的图腾作品《黑色绘画》(Black Paintings)，这是他进入纽约艺术界的跳板。其中的四件作品是用暗黑色房屋漆绘制的方形画布，上面有平行的原始帆布条，它们被选中参加“十六个美国人”展览。
现代艺术博物馆当场买下了其中一幅。这幅1959年的作品名为《理性与肮脏的婚姻II》(The Marriage of Reason and Squalor, II)，它成为了展览中心问题的标志:在抽象表现主义(抽象表现主义是20世纪40年代诞生于纽约、由MoMA自己倡导的一种粗糙的姿势艺术运动)兴起十多年后，绘画将何去何从?斯特拉以其稀疏而优雅的作品帮助开辟了道路:“黑色绘画”成为极简主义(Minimalism)和后绘画抽象主义(post - pain特里抽象主义)等运动的基础之一，这些运动随后演变成对抽象表现主义主导地位的不同回应。对于AbEx一代焦虑不安地声称要画出纯粹情感的作品，斯特拉用贯穿其整个职业生涯的冷幽默回应道:“绘画是一个平面，上面涂着颜料，”他曾说。“你看到的就是你看到的。”
斯特拉是三个孩子中的老大，在马尔登长大。他的父亲是医生，母亲是风景画家。早在安多弗的菲利普斯学院读高中时，他就在寻找表达自己创造力的新方式。20世纪50年代初，当他还是一名学生时，他家乡附近的主要博物馆，包括波士顿美术博物馆，都充满了历史杰作和早期欧洲现代主义艺术家的标志性作品，如文森特梵高和克劳德莫奈。同样是这些机构，对展示在纽约这个蓬勃发展的国际艺术中心正在发生的事情表现出有限的兴趣。
然而，作为安多弗大学的一名学生，弗兰克·斯特拉(Frank Stella)发现自己有机会近距离观察蓬勃发展的美国前卫艺术。在那里，他与帕特里克·摩根(Patrick Morgan)一起学习绘画，后者对美国抽象运动产生了浓厚的兴趣。该校的艾迪生美国艺术画廊(Addison Gallery of American Art)是抽象表现主义的早期采用者;当他还是一名学生的时候，该公司在该领域的资产已经非常丰富，令人印象深刻。“我们在那里看到了杰克逊·波洛克(Jackson Pollock)、弗兰兹·克莱恩(Franz Kline)——纽约正在发生的一切。它非常先进，”斯特拉在2019年告诉《环球报》。
斯特拉先生在安多弗的早期灵感让他一次又一次地回报了这个好意。艾迪生美术馆收藏了他的几十件作品，其中绝大多数是他自己捐赠的，还有他在1991年捐给美术馆的大量个人收藏，包括贾斯珀·约翰斯、唐纳德·贾德和艾格尼丝·马丁等名人的作品。
“斯特拉在菲利普斯学院的经历对他成为一名艺术家至关重要，”艾迪生美术馆馆长艾莉森·卡默勒(Allison Kemmerer)在一封电子邮件中说。她说，因此，博物馆“有幸与他建立了长期而有意义的关系”。她称他是“我们这个时代最具影响力和创新精神的艺术家之一”。
斯特拉在艾迪森美术馆看到了充满活力的实验，受到鼓舞，他一有机会就离开了这里，于20世纪50年代中期进入普林斯顿大学艺术系，那里的教授斯蒂芬·格林(Stephen Greene)和威廉·塞茨(William Seitz)发现了这位年轻艺术家的潜力。他们经常带他去曼哈顿的画廊展览，在那里他会看到波洛克(Pollock)、阿尔希尔·高尔基(Arshile Gorky)等艺术家的作品，最重要的是约翰(Johns)，他是抽象绘画主导时代的异类。约翰斯的作品基于旗帜和目标等常见形式的简单几何形状，为斯特拉提出了一种超越主流模式的工作方式，这种冲动将标志着他的整个职业生涯。
《十六个美国人》是一个分水岭，在抽象表现主义开始失去光彩之际，斯特拉成为美国艺术界的一个重要声音。
但斯特拉先生一直在尝试新的模式，他是一个热衷于实验的人。在“黑色绘画”获得成功后，他立即开始尝试奇怪形状的画布，这是对几个世纪以来矩形或方形的正统观念的挑战。
到20世纪60年代中期，他放弃了让他成名的深色单色调色板，转而使用弧形条纹创作优雅、色彩明亮的作品。他在20世纪60年代末和70年代初的“不规则多边形”和“量角器”系列帮助他奠定了声誉。1970年的《大马士革门》(Stretch Variation I)是最著名的“量角器”画作之一，2019年被复制用于波士顿海港一座建筑的立面，这是斯特拉先生家乡唯一的公共艺术品。
1970年，也就是他在MoMA首次展出《16个美国人》(Sixteen Americans)不到十年之后，斯特拉成为在MoMA举办职业回顾展的最年轻的艺术家。17年后的1987年，现代艺术博物馆再次邀请他举办回顾展，展示他惊人的作品，他是当时唯一一位在同一机构两次获得如此全面庆祝的在世艺术家。
一直以来，斯特拉都在寻找以新的、更大胆的方式重塑绘画的方法。上世纪70年代初，他的“波兰村庄”(Polish Village)系列作品将各种形式和色彩拼凑在一起，就像尖锐的拼图一样，向二战期间被摧毁的波兰犹太教堂致敬，并唤起了俄罗斯至上主义(Russian supreatism)的锯齿状抽象风格。20世纪初，俄罗斯至上主义因艺术家卡齐米尔·马列维奇(Kazimir Malevich)而闻名。到20世纪70年代末，斯特拉完全改变了方向。他的“印度鸟”(Indian Bird)系列是由俯冲而下的铝制切口拼接而成的，上面涂着充满活力的彩色油漆层，给人一种松散而自然的感觉。
值得注意的是，“印度鸟”系列是斯特拉开始对抗绘画本身的二维性的时候，它的形式组合在一起，有些从表面突出来。他开始以绘画和雕塑的混合模式工作。他以典型的面无表情的方式，淡化了明显的启示:“雕塑只是一幅画，剪下来，站在某个地方，”他曾经说过。
他还对推动版画的边界有着终身的兴趣，这是一种传统上用于复制的媒介，他将屈服于新的用途。它在1992年以《喷泉》(The Fountain)达到顶峰，这是一幅23英尺长的纸上作品，使用了各种版画技术。这是他创作了十多年的系列作品的最高成就。1986年至1997年间，他受赫尔曼·梅尔维尔(Herman Melville)的《白鲸》(Moby-Dick)的启发，创作了一系列不朽的、神秘的绘画、雕塑和版画。
他从未放弃对抽象、表面、“所见即所见”的承诺，尽管《白鲸》系列在其壮观的视觉混乱中接近偏离，似乎清晰地参照了水、风和天空。但《白鲸记》系列也是一种与抽象表现主义和解的姿态，几十年前，他曾帮助削弱了抽象表现主义的相关性和影响力:“这是在偿还我的债务，”他在2001年对《卫报》(Guardian)说，“或者说，与其说是在偿还我的债务，不如说是在表达我对与我一起长大的抽象表现主义一代的钦佩，他们是我最钦佩的，我现在仍然钦佩的。”
他最近的作品是由大型公共雕塑委员会推动的，在华盛顿特区的国家美术馆等著名场所，他的大型“弗里德里希·冯·洪堡亲王，Ein Schauspiel, 3X”是一个巨大的抽象形式，由不锈钢，铝，玻璃纤维和碳纤维组成，自2001年以来一直装饰在前面的草坪上。(它的名字是向18世纪德国剧作家海因里希·冯·克莱斯特(Heinrich von Kleist)的一部关于爱情与战争的戏剧致敬。)
事实上，他的晚期艺术生涯主要集中在大型作品上，对于一个不断挑战材料、规模和形式界限的艺术家来说，这是一个合适的结局。
“总的来说，斯特拉的作品显然是不羁的、压倒性的，”艺术博物馆当代艺术前主席雷托·瑟林(Reto th
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